Brian Johnson Cantante
Angus Young Guitarrista
Malcolm Young Guitarrista
Cliff Williams Bajista
Phil Rudd Bajista
“¿Cómo no dejarse seducir por un riff de AC/DC? Son hamburguesas musicales”. Así definió alguna vez Beck el estilo de estos australianos de sonido vibrante y actitud salvaje, cuya fórmula de blues sucio y electrificado, y hard rock en volumen 11 los llevó a convertirse en una banda unánime: quien más, quien menos, todo el mundo tiene un disco de AC/DC en su discoteca.
A comienzos de los ’70 el guitarrista escocés radicado en Sydney Malcolm Young tenía una banda de garage rock que compartía su nombre con una mítica agrupación estadounidense: Velvet Underground. En 1973, cuando el grupo se separó, Young decidió iniciar otro proyecto. Para encontrar el primer miembro no tuvo que ir muy lejos: su hermano menor Angus se hizo cargo de la primera guitarra. El más joven de los Young, con sólo 15 años, ya daba muestras de su extravagancia: por sugerencia de su hermana Margaret comenzó a utilizar su uniforme de colegio secundario privado en el escenario, lo cual con el tiempo se volvió una de las marcas registradas de la banda.
El nombre del grupo es otro aporte de Margaret, quien lo propuso luego de ver la inscripción AC/DC (sigla que significa “corriente alterna/corriente directa”) en una aspiradora. Lo adoptaron inmediatamente, sin saber que tenía una connotación oculta: también era un eufemismo para llamar a los bisexuales. En los inicios debieron aclarar más de una vez que no eran una banda gay.
Luego de grabar un single con una efímera formación original, los hermanos Young se mudaron en 1974 a Melbourne y reformaron el grupo. En el bajo entró Mark Evans, en la batería, Phil Rudd y en la voz, Ronald “Bon” Scott, hasta entonces chofer de la banda y de ahí en adelante frontman y rockstar descontrolado. Con un frondoso prontuario policial, rechazado del Ejército Australiano por ser “socialmente inestable” y especialista en todo tipo de fiestas y adicciones, Scott fue uno de los principales motivos de la imagen de “inadaptados” que supieron tener los AC/DC a lo largo de su historia. Con Bon al frente grabaron su primer disco: High voltage (1974).
Entre 1974 y 1978, de la mano de hits como “It's a long way to the top (if you wanna rock and roll)” y de álbumes clásicos como Let There Be Rock y Powerage, AC/DC se convirtió en uno de los grupos más populares de Australia. Habiendo superado ese desafío, se abocaron a uno mayor: conquistar Reino Unido, para lo cual se radicaron en Londres. Sobrevivieron a la andanada punk gracias a que la prensa británica los categorizaba erróneamente como un grupo más de aquel movimiento.
El fin de los ’70 y el comienzo de los ’80 llegaron con una gran alegría y una enorme tristeza. Por un lado, editaron Highway to hell, su primer disco de ventas millonarias en EEUU. Por otro, el 20 de febrero de 1980, Bon Scott fue encontrado muerto en el asiento trasero del auto de un amigo. La causa de muerte: asfixia por inhalación de su propio vómito, tras ingerir cantidades sobrehumanas de alcohol.
Para reemplazar a Scott fue elegido Brian Johnson. Paradójicamente, con él, en su peor momento de desesperación, AC/DC grabó su mejor y más celebrado álbum: Back in black (1980). Varios de sus temas pasaron a ser hitos de su repertorio en vivo: “You shook me all night long”, “Hell bells”, “Shoot to thrill” y el que da nombre a la placa, entre otros. Solamente en EEUU el disco vendió más de 10 millones de copias.
En los primeros ‘80s tuvieron su momento de gloria en cuanto a convocatoria: en una época no del todo propicia para el rock de guitarras, llenaron cuanto estadio se les cruzó en el camino a ambos lados del Atlántico. Para esa época comenzaron a surgir las controversias por la imaginería satánica que el grupo utilizaba en las tapas de algunos de sus discos y por los supuestos mensajes subliminales que ponían en sus temas para invocar a Lucifer. Alguien sugirió que AC/DC significaba en realidad “Anti-Christ/ Devil Children" (Anticristo, hijo del demonio). La banda negó rotundamente las acusaciones, pero no se privó de aprovechar la publicidad negativa.
El poderío comercial del grupo comenzó a decaer a partir de Flick of the switch, de 1983. Álbumes como The razor's edge (1990) o Ballbreaker (1995) obtuvieron reseñas favorables y algunos hits, pero las ventas ya no fueron las mismas. Sin embargo, mantuvieron su poder de convocatoria y su monumental presencia escénica (“AC/DC es terapia absoluta. Uno ve su show y queda sordo una semana. Es maravilloso”, dijo de ellos Brian May).
Su trabajo más reciente hasta la fecha es Stiff upper lip, de 2002, aunque se habla de un posible sucesor para principios 2007. Entre tanto, se editó Family Values, un DVD con imágenes en vivo y video clips de toda la trayectoria del grupo
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Charly García y su brazalete de tela con el símbolo
"say no more" o "no digas más" (siglas superpuestas S N M)
" SAY NO MORE "
Carlos Alberto García Moreno nació el 23 de octubre de 1951. Es una de las figuras fundamentales de la música contemporánea argentina. Su debut discográfico se produjo en el año 1972, cuando participó del primer disco de Raúl Porchetto, titulado "Cristo Rock".
Mientras cursaba la escuela secundaria conoció a Carlos Alberto «Nito» Mestre. Junto a él y a Carlos Piegari, Beto Rodríguez y los hermanos Belia formó Sui Generis, que, tras sufrir varias deserciones, quedó convertido en un dúo. Al estilo folk norteamericano, muy de moda en aquella época, grabaron tres discos: "Vida" (1972), "Confesiones de Invierno" (1973) y "Pequeñas Anécdotas sobre las Instituciones". Por diversas razones, el dúo se separa en 1975, no sin antes organizar un recital despedida, durante el cual se registró un álbum doble, "Adiós Sui Generis".
En 1976 graba un disco con PorSuiGieco, junto a los líderes del rock acústico: Raúl Porchetto, León Gieco, Nito Mestre y María Rosa Yorio.
La Máquina de Hacer Pájaros es el nombre de su siguiente banda, un proyecto novedoso que orilla el rock sinfónico. En su corta vida tuvo dos discos editados: "La Máquina de Hacer Pájaros" (1976) y "Películas" (1977).
Entre 1978 y 1982, García lidera Serú Girán, una de las bandas claves en el Rock Nacional. Con esta agrupación editó cinco discos: "Serú Girán" (1978), "La Grasa de las Capitales" (1979), "Bicicleta" (1980), "Peperina" (1981) y "No llores por mí, Argentina" (1982).
En ese mismo año comenzó su carrera como solista. Raúl de la Torre le encargó la banda de sonido de su película "Pubis Angelical". Simultáneamente, grabó "Yendo de la Cama al Living". Ayudado por la difusión que se le daba en ese momento al Rock Nacional a través de los medios de comunicación (durante la Guerra de Malvinas estaba prohibido pasar música en inglés), el disco tuvo una gran recepción en el público. Canciones antológicas surgieron de él, como por ejemplo "No bombardeen Buenos Aires", "Inconsciente colectivo" o "Yo no quiero volverme tan loco". Para este trabajo, la banda estaba formada por Willy Iturri en batería, Gustavo Bazterrica en guitarra, Cachorro López en bajo y Andrés Calamaro en teclados. Este material fue presentado en un imponente recital - ante 25.000 personas - en el estadio de Ferrocarril Oeste, el 26 de diciembre de 1982. En la apertura del show, Charly llegó al escenario a borde de un Cadillac rosa y, en el cierre, una lluvia de proyectiles de utilería destruyó la ciudad que formaba el decorado, mientras sonaban los últimos acordes de "No bombardeen Buenos Aires".
En su siguiente trabajo como solista ("Clics Modernos", 1983), se inclinó más por el pop-rock, aunque la canción contestataria encuentra un lugar en, por ejemplo, "Los dinosaurios". Este material fue presentado los días 15, 16, 17 y 18 de diciembre en el estadio Luna Park, acompañado por Pablo Guyot (guitarra), Alfredo Toth (bajo), Willy Iturri (batería), Daniel Melingo (saxo), Fabiana Cantilo (coros) y un joven rosarino en los teclados: Fito Páez. Este disco no fue bien entendido por el público, pues incluía - por primera vez en Argentina - temas «bailables», es decir: el ritmo tomaba otra dimensión, recortando las letras, hasta entonces concepto primordial del Rock Nacional.
La trilogía esencial de García se completa con "Piano Bar" (1984), un álbum rockero que tiene en "Demoliendo Hoteles" y en "Raros peinados nuevos" a sus máximos logros.
En 1985 no grabó ningún disco (fue editada una recopilación, "Grandes Exitos"). Quedó trunco un proyecto con Luis Alberto Spinetta, del cual sobrevivieron algunos recitales y el tema "Rezo por vos" (incluído en dicho disco). Ese mismo año fue protagonista del Festival Rock & Pop, organizado por Daniel Grinbank, donde compartió el escenario con Nina Hagen, INXS y Los Abuelos de la Nada, entre otros, que se llevó a cabo a principios de noviembre en Velez.
Junto a Pedro Aznar - y no sin levantar cierta nostalgia - grabó "Tango" (1986). Este material fue presentado en la discoteca Paladium el 26 de marzo. Su difusión fue muy escasa, pese a que dio la impresión que el proyecto daba para más. Paralelamente, renovó su banda, entonces integrada por Richard Coleman (guitarra), Fernando Samalea (batería), la vuelta de Calamaro y Melingo. Esta agrupación se denominaba "Las Ligas".
En 1987 llegó "Parte de la Religión", considerado por muchos como el mejor disco del García solista. Este material fue grabado e interpretado casi en su totalidad por él, y alterna un rock fuerte con estribillos melódicos. Es, seguramente, uno de sus discos más prolijos y compactos, desde la tapa hasta el contenido de las letras. Ya para los shows en vivo, en julio, la banda que lo acompañaba era nueva: Carlos García López en guitarra, Fernando Lupano en bajo, Fernando Samalea en batería, Fabián Quintiero y Alfi Martins en teclados y nuevamente Fabiana Cantilo en los coros.
El 15 de octubre de 1988, Buenos Aires tuvo el privilegio de ser la sede del cierre de la gira de Amnesty International, que deambuló por más de 50 ciudades de todo el mundo, clamando por los Derechos Humanos. Ese día, más de 80.000 personas asistieron a la cancha de River para aplaudir a grandes músicos internacionales, como Peter Gabriel, Sting y Bruce Springsteen, acompañados por los negros Tracy Chapman y Youssou N'Dour. Como representantes locales, León Gieco cantó su eterna "Sólo le pido a Dios" y "Hombres de Hierro", y Charly arremetió con "Demoliendo Hoteles", "Nos Siguen Pegando Abajo", "Los Dinosaurios" y "La Ruta del Tentempié".
Tras componer en 1988 la banda de sonido de la película "Lo Que Vendrá", de Gustavo Mosquera (en la cual también interpretó a un enfermero), trabajó en su siguiente álbum solista, "Cómo Conseguir Chicas" (1989), esencialmente un trabajo de recopilación de canciones sueltas, que García, por diversos motivos, nunca había grabado.
Para poder lanzar su siguiente disco "Filosofía Barata y Zapatos de Goma" (1990), García debió sortear un juicio por "ofensa a los símbolos patrios" ya que ese LP incluía una versión del Himno Nacional Argentino, que, finalmente, terminó siendo autorizada por los Tribunales.
"Mi Buenos Aires Rock" fue el nombre del festival organizado por la Municipalidad que convoca a cien mil personas en la 9 de Julio, para presenciar a García, Spinetta, Fabiana Cantilo y La Portuaria. Si bien estaba pautado que cada artista tocara media hora, García actuó por más de dos horas y terminó con su versión del Himno Nacional en un escenario iluminado con luces celestes y blancas.
Ese disco mostró claramente la influencia de Prince en el estilo de García, influencia que se vería más notoriamente en "Tango 4", un disco compuesto e interpretado a dúo con Pedro Aznar. La idea era grabar un álbum con Gustavo Cerati, de Soda Stereo, que se llamaría "Tango 3". El puntapié inicial fue "No te mueras en mi casa" (incluido en "Filosofía Barata...") y continuó con "Vampiro", de "Tango 4". Sin embargo, por causas que siempre evadieron comentar, el proyecto quedó en la nada.
El 22 de diciembre de 1991, como hacía casi nueve años, García reunió a 26.000 personas en Ferro para el recital Despedida del Año. En esa oportunidad, ingresó al escenario dentro de una ambulancia: era la forma que había elegido para burlarse de su internación en una clínica, a mediados de ese año. Las versiones periodísticas indicaban que Charly había ingresado con una fuerte sobredosis, hecho que quedaría confirmado con una publicitada relación amistosa con el Pastor Carlos Novelli (director del Programa de rehabilitación Andrés), que terminó en escándalo de acusaciones recíprocas.
La banda de músicos para ese segundo Ferro fue la misma que lo estuvo acompañando desde hacía un tiempo, ahora bautizada "Los Enfermeros". Entre los invitados, estuvieron Mercedes Sosa, Fito Páez y el dúo de rappers Illya Kuryaki & The Valderramas.
En 1992, García representó al rock argentino en Les Alumées, una muestra de la cultura porteña que se realizó en Nantes, Francia. Viajaron tangueros, obras de teatro, pintores y rockeros: Charly convocó a 6.000 personas y fue recibido por el Alcalde de la ciudad. En ese mismo año se dio lo que muchos esperaban: el reencuentro con Lebón, Aznar y Moro para revivir a Serú Girán. Con una placa en estudios ("Serú '92"), recitales en Córdoba, Rosario y dos estadios de River colmados, durante los cuales se registró otro álbum doble, el reencuentro no dio para mucho más.
1993 fue un año de silencio discográfico, pero de mucha presencia en los medios. El veraneo en Punta del Este dejó varias páginas impresas sobre escándalos que siempre lo tuvieron como protagonista. Le siguieron varias internaciones en clínicas de desintoxicación. «¿No te da miedo vivir así?», le preguntaron. «No, me gusta. Es parte de la religión. Los que tienen miedo se van antes. Lo que pasa es lo de siempre: si me tiño el pelo o si me interno, soy tapa de todos los diarios. Si me dieran la mitad de ese espacio cada vez que saco un disco, vendería millones», contestó (Clarín, 16/02/93).
Hacia octubre comenzó la gira que terminaría nuevamente en Ferro, a fines de diciembre. La banda soporte, "Los indeseables", sufrió la deserción de Carlos García López y de Hilda Lizarazu, ambos abocados a sus proyectos individuales (la García López Band y Man Ray, respectivamente). García convocó a María Gabriela Epumer (ex-Viuda e Hijas), para cumplir ambas funciones, guitarra y coros.
En julio de 1994 se lanza su muy publicitada ópera-rock "La Hija de la Lágrima". Como tal, este trabajo incluye muchos pasajes instrumentales y de virtuosismo. "La sal no sala" (junto a Juanse) y "Fax U" son los hits que sobresalen. En septiembre, "La Hija..." se presenta en diez funciones colmadas del Gran Rex.
En febrero del '95 se presentó en el Festival Internacional de la Canción, en el estadio Mundialista de Mar del Plata, junto a Paralamas, Antonio Birabent y Fabiana Cantilo. Repasó algunos de sus éxitos y adelantó material de su nuevo disco "Estaba en llamas cuando me acosté" (1995), al frente de la banda ahora bautizada "Casandra Lange". Todos los temas fueron grabados en vivo, durante la gira por los balnearios de la costa. La placa tiene solamente dos canciones propias: "15 forever", que había quedado afuera de "Tango 4", y "Te recuerdo invierno", una melodía que García compuso antes de Sui Generis. Por otra parte, incluye once covers, entre ellos: "There's a Place" y "Ticket to Ride", de Los Beatles; "Positevely 4th Street" (Bob Dylan) y "Simpathy for the Devil", de los Rolling Stones. "Sweet Dreams", de Eurythmics, es el único tema que no respeta la época: «Lo que pasa es que conocí a Annie Lennox en Nueva York cuando estaba por grabarlo y me lo cantó a capella. No podía dejarlo afuera», se justificó Charly.
Aprovechando el furor de los recitales acústicos, García se presentó en el ciclo "Unplugged" de la cadena televisiva norteamericana MTV, con un show que incluyó temas de todas sus etapas y que fue puesto en el aire para toda Latinoamérica en julio y editado en CD para fines de ese mismo año. El material fue tocado en vivo en el teatro Gran Rex, a fines del '95.
En el verano del '99 fue la gran atracción del ciclo gratuito Buenos Aires Vivo III, organizado por el gobierno porteño en Puerto Madero. Más de 150.000 personas aclamaron a García en un show dedicado a los desaparecidos y registrado en vivo para el disco "Demasiado Ego". Ese mismo año volvió a la polémica, al organizar un recital privado para el presidente Carlos Menem. Ese show quedó registrado en "Charly & Charly" un disco de edición limitada que no salió a la venta.
Tres años debieron pasar para que García regresara al disco, y al formato de canción en sus creaciones. "Influencia" (2002) tuvo en "Tu vicio" el corte difusión, pero el resto del material es bastante más interesante que esa melodía pegadiza pero superflua.
DISCOGRAFIA ACTUAL
Discografía
Pubis Angelical, 1982
Yendo de la cama al living, 1982
Clics Modernos, 1983
12 años, 1984
Piano Bar, 1984
Terapia intensiva, 1984
Tango, 1985
Grandes éxitos, 1986
Parte de la Religión, 1987
Lo que vendrá, 1988
Cómo conseguir chicas, 1989
Filosofía barata y zapatos de goma, 1990
Tango 4, 1991
Radio Pinti, 1991
87-93, 1993
La hija de la lágrima, 1994
Oro, 1994
Oro II, 1995
Estaba en llamas cuando me acosté, 1995
Hello! MTV Unplugged, 1995
Say No More, 1996
Alta Fidelidad (con Mercedes Sosa), 1997
El aguante, 1998
Demasiado Ego, 1999
Obras Cumbres, vol 2, 1999
Obras Cumbres, vol 1, 1999
Obras cumbres, 1999
Charly & Charly, 1999
Influencia, 2002
Oro, 2003
Rock and roll yo, 2003
Música del alma (reedición), 2006
Kill Gil, 2007
Fuentes :
rock.com.ar
pergaminovirtual (fotos)
wikipedia
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1. BIOGRAFÍA RÁPIDA.
John Allen Hendrix nació en Seattle el 27 de noviembre de 1942. Hijo mestizo de Al Hendrix, de raza negra y su esposa Lucille, india Cherokee. La II Guerra Mundial separó al matrimonio Hendrix de forma que, mientras que Al se daba tortas en el Pacífico, Lucille las pasaba canutas para sacar adelante a su hijo, hasta que no pudo más y lo dio en adopción a una familia de California. Al Hendrix conoció a su hijo a la vuelta de la Guerra, al que re-bautizó como James Marshall Hendrix una vez que lo localizó, llevándoselo con él de nuevo a Seattle.
Desde joven sintió afición por la música. Su padre le regaló un ukelele, y más tarde, en 1959 una guitarra (que le robaron al año siguiente). Pero su aprendizaje fue de forma autodidacta, a base de practicar y tocar en distintos grupos de Seattle durante sus años de instituto, del cual fue expulsado en 1960 por ‘buen estudiante’. También hay quien dice que fue por tener relaciones más que amistosas con una joven blanca (todavía había muchos prejuicios raciales en aquella época).
El caso es que Jimi se dedicó a tocar en la calle para sacarse unos cuartos, hasta que por su excesiva ‘afición por lo ajeno’ fue detenido por la policía y condenado, evitando la cárcel con su alistamiento en el ejército en 1961, concretamente en una unidad paracaidista. En 1962 al aterrizar tras un salto, se rompió un pie y fue directamente licenciado, con lo que se libró de participar en la Guerra de Vietnam.
Su mayor logro en la época del servicio militar fue conocer a Billy Cox, otro músico negro con quien entabló amistad y formó en los últimos años de su vida el grupo Band of Gypsies. Billy Cox estaba bien relacionado, y a través de él pudo trabajar durante unos años como músico de artistas de la época, como Sam Cooke, James Brown, Ike & Tina Turner, Little Richard o The Supremes, haciéndose con una gran reputación como instrumentista.
El primer grupo propio lo formó en 1966, se llamaban Jimmy James & The Blue Flames, y además de Hendrix estaba otro guitarrista histórico como es Randy California. Se hicieron fijos en un garito llamado “Wha?”, hasta que Chas Chandler, bajista de los Animals de Eric Burdon les echó el ojo y se llevó a Jimi a Inglaterra.
Cuenta la leyenda que el día del concierto de presentación de Cream, la banda de Eric Clapton, Jack Bruce y Ginger Baker, al final de la actuación subió Hendrix a hacer una jam session, y que Clapton flipando con lo que veía soltó la guitarra, se encendió un cigarro y se bajó a meterse entre el público y observar como tocaba Hendrix.
Chas Chandler seguía siendo su manager, así es que se ocupó de buscarle un grupo de acompañamiento, y tras varias audiciones y casualidades reclutó a Noel Redding como bajista y a Mitch Mitchell para la batería. Así nació la Jimi Hendrix Experience, pero faltaba un disco y una gira, que llegarían a finales de 1966 con la grabación del single “Hey Joe” y las actuaciones con Johnny Halliday por territorio francés.
Diferentes managers y casas discográficas les daban con la puerta en las narices porque Hendrix era anárquico a la hora de ejecutar, cuestión que no estaba demasiado bien vista. Era mucho más seguro no dejar nada a la improvisación y Hendrix siempre fue un músico al que le gustó dejarse llevar mientras tocaba, he ahí su grandeza y la de su grupo. De hecho hay cientos de grabaciones de los mismos temas y ninguno igual, grabaciones que han salido a la luz una vez muerto y que han seguido engordando la lista de bootlegs. Hasta Decca, la casa de los Stones les cerró las puertas. Al final Track fue quien se hizo cargo de la Jimi Hendrix Experience.
Durante 1967, la Jimi Hendrix Experience tocan por Inglaterra con los Who, por Francia y Bélgica con Pretty Things y por Holanda, Alemania y Luxemburgo con grupos locales.
En Marzo se publica el segundo single, “Purple Haze” y en Mayo el primer LP, “Are you experienced?”, grabado en dos semanas y con la producción de Eddie Kramer y Chas Chandler.
Si por algo se caracterizaba este disco era por lo arriesgado del tratamiento de los efectos, poco utilizados hasta entonces por los guitarristas, y por la naturalidad del sonido. Hay que tener en cuenta que se estaba en medio del “Flower Power” y de todo el movimiento hippy-psicodélico, con lo que las drogas, las letras ácidas y los sonidos sugerentes estaban a la orden del día. No tan hipnótico como pudieran ser los recién nacidos por entonces Pink Floyd, pero con un sonido casi alucinógeno dentro de parámetros netamente rockeros.
El track-list completo de ese disco era:
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Purple Haze 
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Manic depresión
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Hey Joe
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Love or confusión
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May this be love
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I don’t live today
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The wind cries mary
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fire
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Third stone from the sun
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Foxy lady
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Are you experienced?
Tras la grabación del disco, el salto a los USA. Entre otros eventos tocaron en el Festival de Monterrey junto a los grupos más representativos de la época, como la Velvet Underground o Grateful Dead. La actuación de la J.H.E. fue presentada por Brian Jones, guitarrista de los Stones y amigo personal de Hendrix.
A finales de año, y tras ser elegido Jimi como mejor músico del momento por la prestigiosa revista “Melody Maker”, se grabó el segundo LP del grupo, titulado “Axis: Bold as love” producido también por Chas Chandler y con Eddie Kramer en las mezclas. Las canciones:
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Exp 
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Up from the skies
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Spanish castle magic
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Wait until tomorrow
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Ain’t no telling
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Little wing
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If six was nine
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You’ve got me floating
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Castles made of sand
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She’s so fine
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One rainy wish
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Little miss lover
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Bold as love
Los temas eran los de siempre, las drogas, las alucinaciones, el amor pasado por el tamiz hippy de la época. Era el efecto de estar permanentemente volando con LSD y otras sustancias similares. Pero también había momentos de declaración de intenciones (“If 6 was 9”) y otras historias, todo sobre una música que se movía entre el rock ácido, la improvisación jazzística y el virtuosismo efectista, con momentos casi heavies como “Spanish castle magic”.
La cuestión es que este segundo disco consiguió ser alabado unánimemente por la prensa, incluso tuvo mayor repercusión que el primero a este nivel. La prueba fue encabezar un festival en el Olimpya de Londres con gente como The Who, Eric Burdon & The Animals, Pink Floyd, Traffic o Soft Machine.
En 1968, las grabaciones eran permanentes en los estudios Record Plant de Nueva York, de ahí se sacó gran cantidad de material editado tras su muerte. También las giras por Europa y USA con actuaciones en el festival de Miami con The Mothers of Invention, Blue Cheer y John Lee Hooker, en el ‘Woburn Music Festival’ con Pentagle y T.Rex, hasta incluso en Palma de Mallorca, en la sala Sgt. Pepper’s durante el mes de julio. Además, Jimi Hendrix era muy aficionado a las jam sessions por lo de la improvisación, habiendo tocado con gente como Ted Nugent, Frank Zappa, BB King, Jim Morrison, Buddy Miles y cientos de músicos más.
Pero su principal problema personal, en medio de la revolución del 68 y el movimiento hippy, seguían siendo las drogas. Estaba permanentemente colgado, mezclando todo tipo de potingues con alcohol, siempre fuera de sí, y con una obsesión constante: no haber conocido a su madre. Esta situación vino marcando su vida personal y artística, y acentuándose cada vez más
Tras la edición de un nuevo single “All along the watchtower” (una versión de Bob Dylan) se edita el tercer LP de la Jimi Hendrix Experience: “Electric Ladyland”, en formato de disco doble y con este contenido:
Disco 1.
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And the gods made love 
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Have you ever been (to electric ladyland)
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Cross town traffic
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Voodoo chile
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Still raining, still dreaming
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House burning down
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All along the watchtower
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Voodoo chile (slight return)
Disco 2.
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Little miss strange
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Long hot summer night
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Come on (part 1)
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Gipsy eyes
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The burning of the midnight lamp
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Rainy day, dream away
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1983… (a merman I should turn to be)
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Moon, turn the tides… gently, gently away
En la grabación de este disco participaron músicos de renombre, como Dave Mason, Jack Casady, Steve Winwood, Al Kooper, Buddy Miles o Chris Wood, sin embargo las composiciones eran todas de Hendrix, al igual que en los discos anteriores y a excepción del tema del “Axis: Bold as love” titulado “She’s so fine”, compuesto por Noel Redding.
La madurez como músico y como compositor quedaba patente en este último disco, para mucha gente (entre la que me incluyo) su mejor obra. De nuevo Eddie Kramer en los controles, y con una portada más que polémica que sufrió todo tipo de ataques por la desnudez de sus modelos y la supuesta vejación a que fueron sometidas.
1969 fue un año de múltiples galardones para Hendrix, otorgados por diferentes medios de otros tantos países, y todos relacionados con ‘mejor guitarrista’, ‘mejor grupo’, ‘mejor disco’, etc... , también con varias detenciones por tenencia de drogas y sobre todo fue un año de participación en macrofestivales.
Precisamente en uno de ellos, el “Denver Pop Festival”, fue la última actuación de la Jimi Hendrix Experience como tal, ya que la relación entre Redding, Mitchell y Hendrix se fue deteriorando con el tiempo, de tal forma que una vez finalizado este festival, Noel Redding dejó el grupo. Mit Mitchell aguantó hasta “Woodstock” (agosto de ese año), sobre todo porque Buddy Miles que era en quien pensaba Hendrix para su banda, tenía algunos compromisos pendientes. Así, el nuevo nombre bajo el que actuó en aquél festival fue The Gipsy Sons & Rainbows, y estaba compuesto por Hendrix a la guitarra y voz, Mitch Mitchell en la batería, su viejo amigo Billy Cox al bajo, Larry Lee en la guitarra rítmica y Jerry Velez y Juma Sultan en las percusiones.
Solo actuaron otra vez más bajo ese nombre, fue en un festival en Harlem, ya que en el mes de octubre finalmente Buddy Miles se hizo cargo de la batería y se cambió el nombre al de Band of Gypsys, volviendo a la formación de trío con Billy Cox. A finales de año se grabaron los conciertos en directo del grupo en el Fillmore east que sirvieron para dar forma al primer disco del grupo (aparecido ya entrado 1970).
El track-list de “Band of Gypsys”: 
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Who knows
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Machine gun
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Changes
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Power to love
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Message to love
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We gotta live together
1970 siguió la tónica de años anteriores en cuanto a conciertos, compartiendo cartel de festivales con los grupos más importantes de entonces, como Jethro Tull, Cactus, Grand Funk Railroad, Steppenwolf, Moody Blues, Free, Procol Harum, Ten Years After, Canned Heat, etc...
A finales del mes de agosto de ese año, Hendrix se traslada a Londres para promocionar el disco y actuar, entre otros, en el festival de la Isla de Wight. En el mes de septiembre de ese año, tras una jam session con Eric Burdon en un garito de Londres, regresó al ‘Samarkand Hotel’ donde estaba hospedado con su amiga Monika Dannemann y se puso a escribir la letra de su última canción: “The Story of Life (slow)”. Después se metió un atracón de pastillas de todo tipo, entre ellas varias para dormir y por la mañana al ir Monika a despertarle se da cuenta que ha vomitado durante la noche y que no reacciona. Llama a su amigo Eric Burdon y deciden llamar a una ambulancia, que lo traslada al St. Mary Abbots Hospital, pero no llega vivo. Era el 18 de septiembre de 1970.
La prensa se hizo eco del asunto en todo el mundo, y posteriormente las pajas mentales fueron constantes, hablando de suicidio, de sobredosis, de asesinato, etc. El caso es que su muerte sirvió para hacer más grande el mito, para crear una leyenda en torno a Hendrix y para que las casas de discos se hincharan después sacando al mercado todo tipo de grabaciones, conciertos piratas, recopilaciones y directos.
2. DISCOGRAFÍA OFICIAL.
2.1 Antes de morir:
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“Are you experienced?” (1967)
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“Axis: Bold as love” (1967)
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“Smash hits” (1968)
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“Electric ladyland” (1969)
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“Band of gypsys” (1970)
2.2 Después de su muerte:
En cuanto a grabaciones encontradas o no editadas en vida hay para perderse, aquí van solo algunas de las más recomendables:
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“Woodstock” (1970)
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“Monterrey international pop festival” (1970)
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“Isle of Wight” (1971)
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“Hendrix in the west” (1972)
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“Loose ends” (1974)
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“Midnight lightning” (1975)
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“Rare tracks” (1976)
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“The essential Jimi Hendrix” (1978)
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“Nine to the universe” (1980)
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“The Jimi Hendrix concerts” (1982)
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“Kiss the sky” (1984)
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“Band of Gypsys 2” (1986)
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“Live & unreleased (5 box set)” (1989)
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“The ultimate experience” (1993)
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“Jimi Hendrix: Blues” (1994)
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“South Saturn delta” (1997)
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“The Jimi Hendrix BBC recording sessions” (1998)
Texto: Alvar de Flack
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